Las huellas de la Guerra Civil en Alicante

Impactos de metralla de la Guerra Civil en la verja de la Casa de Máquinas de Alicante.
Las guerras siempre sangrientas, vengativas y traumáticas en ocasiones nos hacen olvidar. Más aún si lo que viene después de su anhelado fin son años y años de una larga travesía por la institucionalización del odio. El cometido de las generaciones supervivientes es dejar a un lado las ideologías, las venganzas y los ofuscamientos y ser capaces de ver el pasado como historia, la historia como patrimonio y el patrimonio como valor social.
El 25 de julio de 1938 la ciudad de Alicante, despreciada por la ejecución de José Antonio Primo de Rivera, sufrió el bombardeo más cruento y asesino de toda la Guerra Civil Española: “el bombardeo del Mercado Central”, como lo nombran los que ahora lo nombran. A media mañana de ese fatídico día la principal plaza comercial de la ciudad recibía la brusca caída de más de 90 bombas lanzadas por los fascistas italianos que apoyando al bando nacional contribuían a una guerra fratricida. No sonaron las alarmas -a las que estaban tristemente acostumbrados los alicantinos-, nadie corrió hacia los numerosos refugios antiaéreos que había por toda la ciudad, al contrario, intentando llevar una vida de normalidad en una costa valenciana acosada por los ataques aéreos, la población llenaba un Mercado Central que en hora punta rebosaba de mujeres y niños. Sólo se oyó algún “bombes!” cuando ya estaban cayendo. El resultado: más de 300 victimas civiles y la conmoción de media Europa. El suceso traumatizó y el Franquismo se encargó de enterrar bien la memoria, que no a las victimas.
Mercado Central de Alicante en la actualidad.
Las guerras son guerras. El pasado pasado está. Las heridas no se abren. Hay todo un abanico de excusas para los que prefieren fingir y vivir eternamente en una amnesia colectiva que nos ensombrece como sociedad avanzada. La realidad es que las guerras también son patrimonio de todos y deben ser recuperadas e interpretadas para que sean digeridas y superadas.
Alicante fue escenario de ese cruento episodio y de algunos más y en ella han permanecido huellas y vestigios de un protagonismo inevitable. En Alicante, el 1 de abril de 1939, acabó la guerra. Y ahí intentaron más de 10.000 republicanos refugiarse en el puerto, en busca de un barco que se atreviera a saltarse el bloqueo franquista antes de que las tropas italianas avanzaran por la Explanada de la ciudad.
Tropas italianas de la División Littorio cercando el puerto de Alicante.
Pero hubo un capitán que no temió al bloqueo. Hubo un barco que decidió que la vida de una persona, no importa de que bando, merece la pena el riesgo. El capital Archibald Dickson, de origen galés, se encontraba el 28 de marzo de 1939 en el puerto de Alicante donde llegó con la intención de cargar naranjas y azafrán para su comercio, pero aquel puerto ya no tenía nada que ofrecer. A cambio encontró el muelle repleto de caras desesperadas. El propio Dickson relata la razón que le llevó a jugarse su honra y su vida:

“Debido al gran número de refugiados me encontraba en un dilema sobre mi propia postura, ya que mis instrucciones eran que no debía tomar refugiados a menos de que estuviesen realmente necesitados. No obstante, después de ver la condición en que se hallaban decidí desde un punto de vista humanitario aceptarlos a bordo…”

El Stanbrook zarpó al atardecer de ese 28 de marzo con 2.638 personas a bordo. Cuentan que el barco se escoró en varias ocasiones debido al peso y que ni siquiera pudieron subir la escala porque no había sitio para nada más. Zarparon rumbo a Orán, en la costa de Argelia, donde tras unas tensas negociaciones -se dice que el capitán Dickson amenazó con estrellar el barco contra el puerto si no les permitían atracar- fueron acogidos. Las autoridades francesas los higienizaron, vacunaron y alimentaron en unas pésimas condiciones y fueron internados a un campo de refugiados. Aquellos que quedaron en el puerto, aquellos que no se suicidaron sabiendo lo que se acercaba, fueron fusilados o llevados al campo de concentración de Albatera, a pocos kilómetros. 
El barco Stanbrook antes de zarpar del puerto de Alicante en 1939.
Este 1 de mayo de 2015, según el anuncio del ayuntamiento, se va a inaugurar el museo de la Guerra Civil de Alicante. El centro estará en unas antiguas naves de máquinas de principios del siglo XX que curiosamente también tienen las heridas de la metralla de las bombas en la reja que las envuelve. El recorrido se complementará accediendo a uno de los refugios antiaéreos más grandes de la ciudad, el de la Plaza de Séneca, con una capacidad para 1.500 personas. Falta saber que pasará con el resto de huellas de la contienda en la ciudad. Como por ejemplo el recorrido de trincheras, almacén y refugio circular de defensa antiaérea de la Serra Grossa que conforman los últimos vestigios de la resistencia republicana en la Guerra Civil Española. 
Naves de la Casa de Máquinas de Alicante.
Alicante, escenario del fin de la Guerra Civil y protagonista del bombardeo con mayor número de victimas de todo el conflicto es una ciudad que fue fuertemente azotada por el drama y la miseria del conflicto bélico. Ahora, por fin, da un paso para contar su historia, esperemos que le sigan muchos más.
El patrimonio, lejos de ser una concepto abstracto, es una realidad muy cercana. Poner en valor nuestro pasado material o inmaterial sirve como un inmenso bálsamo para nuestra memoria. Es útil para reflexionar, útil para reconciliarse, útil para conocernos y sobretodo útil para no volver a repetir los errores de un pasado no tan lejano.
Daniel
Martínez Ibáñez
Quiero saber más:

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Valerio Adami, la síntesis del Arte Contemporáneo

Todos conocemos los rasgos generales del cubismo y su influencia en las Vanguardias y en el Arte Contemporáneo. Muchos pensarán que el Cubismo nació, se desarrolló y murió con Picasso, Braque y Juan Gris, los grandes artistas de este movimiento rompedor en su momento. Pero hoy en día sigue estando muy vivo, más vivo que nunca. Del mismo modo, el Pop no murió con Warhol, ni el surrealismo con Dalí. Los rasgos principales del Arte Contemporáneo siguen más vivos que nunca.

Valerio Adami es un buen ejemplo. Pintor Boloñés,  adquirió un reconocido prestigio y ha expuesto en las galerías más importantes de nuestro viejo continente y del nuevo. Desde su primera muestra personal en la “Galleria del Navigo” (Milán, 1959), el artista ha desarrollado un estilo personal muy valorado por la crítica de arte, con un meditado trasfondo ideológico en sus obras.

El pintor Valerio Adami.  Foto: moreeuw.com

Hablar aquí de originalidad estilística no significa que Adami carezca de influencias: de hecho, ese estilo tan marcadamente personal que, tras las inevitables indecisiones juveniles, Adami logró conquistar desde temprana hora, y que, salvo muy leves matices diferenciales, se ha mantenido substancialmente invariable hasta hoy, es deudor, en una u otra medida, de una serie de fuentes a primera vista inconexas. A este respecto, Henri Martin ha señalado con tino la marcada huella que el Cubismo deja en la obra de Adami por el tratamiento plano de la figura, por la amalgama de varias imágenes o la yuxtaposición de varios puntos de vista diferentes y la esquematización de las líneas y los volúmenes. En él, los precursores del Cubismo siguen viviendo en cada nueva creación del artista.

Le baiser. Acrílico sobre lienzo. Foto: fieldarts.com

El Pop Art ha influido también en la obra de Adami (hasta el punto de que éste ha sido considerado por no pocos historiadores y críticos de arte como un típico artista “pop”), por cuanto el boloñés se basa en objetos banales de la experiencia cotidiana, y utiliza fórmulas y técnicas provenientes de la fotografía, del cine, de la publicidad, de los cartones animados y de los comics. De este modo, debemos señalar que la esencia de los grandes maestros del Pop como fueron Warhol, Jasper Johns o Lichtenstein , sigue de alguna manera presente hoy en día en la línea de nuestro artista. De igual modo, Adami sabe extraer del Surrealismo numerosos elementos temáticos (erotismo, mundo inconsciente) y esa reformulación de la imagen a mitad de camino entre lo real y lo onírico. Por lo demás, a todas estas influencias estilísticas, viene a sumarse, en la obra de Adami, todo un complejo sistema de aportes doctrinarios provenientes del psicoanálisis (puesta en luz de las pulsiones del inconsciente, significaciones simbólicas, texto trucado y con doble sentido, etc.) y de la lingüística (valor acordado al lenguaje en sus diversos registros, no sólo el que se evidencia bajo la forma de código explícito y universal, sino también, y sobre todo, el que se agazapa tras un código analógico y sobredeterminado).

Capriccio. Acrílico sobre lienzo. Foto: Boccamuseum.org

Es precisamente esta síntesis lo que hace tan atractiva la obra de Valerio Adami. El refinado dibujo silueteado es la base de sus composiciones, que descompone a la manera picassiana para ofrecernos una realidad alternativa, cómoda, armónica, que junto con los colores planos saturados ofrecen al espectador una verdadera experiencia sensitiva a la hora de admirar sus obras.

Desde el punto de vista formal, sus obras se apoyan en los dos pilares básicos de la pintura: la línea y el color. La verdadera singularidad es que tanto línea como color son totalmente perceptibles en su pintura, es decir, el color no tapa la línea. Pese a la diferenciación de las dos técnicas fundamentales, el conjunto gana en compenetración estricta entre las partes. Para la elaboración de sus obras, Adami parte de un pequeño dibujo a lápiz sobre papel, el cual, ampliado por medio de un retroproyector, es recopiado fielmente sobre la gigantesca tela, bajo la forma de una trama lineal de gruesas y uniformes líneas negras; sólo entonces el artista rellena los vacíos intermedios del lienzo con brillantes colores planos y homogéneos, según un esquema cromático arbitrariamente prefijado. Las composiciones así surgidas, en las que la cerrada urdimbre de líneas negras fileteadas atenaza poderosamente las rígidas piezas coloreadas, asumen de este modo una curiosa configuración de vitral o de rompecabezas de colores.

Es así como nos presenta sus obras, rotas de alguna manera, para que sea el espectador el que reconstruya en su imaginario el total de las mismas.

Reclinado bajo el sol. Acrílico sobre lienzo. Foto: picassomia.com

Sus influencias, de los grandes estilos figurativos del siglo XX, junto con la opción de que el espectador sea partícipe de la obra, hacen de la obra de  Valerio Adami  una perfecta síntesis de la Historia del Arte Contemporáneo.

José Rubio Rodríguez.

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Tengo curiosidad:

Biografía de Valerio Adami.

Exposición en Valencia sobre Valerio Adami. 

Valerio Adami en la Galería Giampiero Biasutti de Turín.  (en italiano)

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Misterios de Sardegna: Los Nuraghi

En el mundo existen diversas construcciones megalíticas llenas de misterio, como son las figuras de la Isla de Pascua o Stonehenge. En Sardegna, isla llena de tradiciones e increíbles paisajes, nos encontramos con los Nuraghe, menos conocidos pero no por ello menos importantes.


Nuraghe Succuronis (Foto: Google)


Este tipo de construcción se encuentra expandido por todo el territorio. Se trata de torres circulares que van de los diez a los veinte metros de altura y su circunferencia varía de los ocho a los doce metros de diámetro.  Es una construcción ciclópica en la cual los pesos se van repartiendo dando así consistencia al nuraghe; donde se han usado grandes piedras, las cuales pueden alcanzar varias toneladas, colocadas en hilera y que se sustentan por el propio peso sin ningún tipo de argamasa; por lo que es una estructura sin cimentación. La torre se va estrechando a medida que sube en altura, tomando así una especie de forma tronco-cónica.
Los primeros nuraghi son torres aisladas de un solo círculo, las cuales podían ser de dos tipos: en forma de tholos, anillos concéntricos que se van estrechando hasta crear una cúpula, o de corredor. Pero acaban evolucionando hasta crear auténticos anillos fortificados.

Nuraghe de Taccu, Volumen de las piedras (Foto:Elena Casasempere) 

Algo curioso es que tanto en Grecia como en las Islas Baleares se han encontrado edificaciones de cierta semejanza a las de Sardegna, aunque los nuraghe son símbolo de esta isla por ser la única con tal cantidad de este tipo de construcción. En la isla todavía existen más de ocho mil nuraghi cuantificados, y probablemente hubo muchos más hoy día desaparecidos. Algunos de los más antiguos han sido datados entorno al 3500 a. C.
Por tanto, forma parte de la Edad del Bronce y seguramente perduró durante tantos siglos por el hecho de encontrarse aislada, hasta la invasión del Imperio Romano en el s. II a. C. Además la cultura nurágica fue conocida por un cierto avance en el desarrollo de la metalurgia, ya que eran conocidos en muchas zonas del Mediterráneo por el bronce que producían. Se han encontrado diversas estatuillas realizadas en este material.

Estatuilla de bronce (Foto: Google)

Según el investigador Massimo Pallottino, experto en la prehistoria sarda y etruscólogo, la arquitectura producida por la civilización nurágica fue la más avanzada de todo el Mediterráneo occidental durante esa época, incluyendo las regiones de la Magna Grecia.
La función es lo que genera mayor discusión ya que es todavía hoy es un misterio. Existen muy variadas teorías, algunos creen que eran edificaciones para los nómadas por su forma circular, tal vez fortalezas de un pueblo guerrero; otros creen que eran templos en los cuales se hacía fuego en la parte superior de la torre, como una especie de veneración a los dioses, templos de culto al Sol.
Otra de las teorías nos habla de casa de gigantes, la cual aunque parezca algo completamente irracional tiene algún extraño argumento, ya que entorno a los nuraghe se han encontrado yacimientos conocidos como Tombe dei giganti, en los cuales ha sido hayado algún resto humano de grandes dimensiones. Posteriormente fueron utilizadas como tumbas para enterramientos colectivos. Se trata de otra construcción megalítica única en Europa, es una especie de cámara funeraria de gran tamaño (entre cinco y diez metros de largo y entre uno y dos de alto), de forma rectangular con un ábside de grandes piedras que crean la entrada.

 Tomba de Giganti de Coddu Vecciu (Foto Google)
La teoría más probable es que fuesen fortalezas en las que vivían las personalidades más importantes de la comunidad. Son como grandes castillos, seguramente construcciones consideradas de gran importancia dentro de la cultura sarda, el cual será probablemente uno de los motivos por los que no han sido conservadas hasta la actualidad.
En Barumini podemos encontrar el más importante de ellos, ya que no se trata de uno solo sino de un complejo nurágico, el de Su Nuraxi que fue declarado Patrimonio de la Humanidad en 1997. Este yacimiento es el más grande de toda Sardegna, fue construido en diferentes épocas históricas y se sabe que fue utilizado hasta la llegada de los romanos. Se trata de un asentamiento con una torre central rodeada de una fortaleza cuadrilobulada. Impresionante conjunto de edificaciones las cuales crean toda una villa nurágica.

Nuraghe Su Nuraxi (Foto: Google)

Interio Su Nuraxi (Foto:Google)

Los nuraghi son construcciones únicas, ubicados a lo largo de maravillosos parajes en la isla de Sardegna, que nos transportan tres mil años atrás en el tiempo, una increíble experiencia tanto paisajística como arqueológica.

Nuraghe en el bosque de Taccu (Foto: Elena Casasempere)



Elena Casasempere Dalama

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Tengo curiosidad:

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Las Raíces del Patrimonio

Desde que empecé a interesarme, estudiar e investigar  el Patrimonio siempre he leido y he escuchado que en realidad el Patrimonio que de verdad funciona es aquél que ha sido  entendido como tal por sus habitantes, que además son sus mayores protectores, propulsores y quiénes lo publicitan. Aún así, teniendo tan claro todo esto desde el mundo académico y científico , es muy complicado observar que la  protección y puesta en valor de cualquier tipología patrimonial venga impulsado por los ciudadanos,  por eso la Asociación Cultural Sánta Bárbara,  asociación con sede en Mieres del Camín (Asturias) es un ejemplo perfecto sobre el Patrimonio.  


Joaquín Castro. óleo. Fuente: Facebook


La Asociación me llamo la atención desde el primer momento que supe de su existencia gracias al programa de la TPA (televisión del Principado de Asturias) Sigue la Corriente (desde el min 37 48seg) programa que habla sobre lo que se encuentra en el recorrido de los ríos del Principado de Asturias. A su paso por el río Caudal contaron con su presencia, donde explicaron sus objetivos brevemente y yo decidí buscar información en internet y ponerme en contacto con la asociación, un poco por curiosidad pero  sin esperar respuesta ninguna, para mi sorpresa, respondieron y me invitaron a conocer in situ las actividades que desarrollan y poder charlar. Acepte sin pensarlo y durante la mañana que pasamos juntos comprendí la pasión que sienten por la minería y las ganas con las que llevan a cabo las actividades y actuaciones, ese es el Patrimonio del que siempre he oído hablar, el Patrimonio sentido, querido y protegido por sus habitantes.

Santa Bárbara asociación cultural y minera fue fundada y formada por ex-mineros con el objeto de volver a poner en valor la fiesta minera por excelencia Santa Bárbara, fiesta de origen minero concebida para todos los ciudadanos de la cuenca minera. Para ello decidieron asociarse y trabajar juntos y poco a poco fueron ampliando actividades. Comenzó siendo algo para ellos, los mineros, pero la minería es muy importante para sus habitantes, ya que forma parte de su vida, su paisaje, su cultura, su ordenación territorial y su modo de vida. Por ello la fiesta poco a poco fue cogiendo valor e importancia hasta convertirse en una fiesta ineludible para todos, en la que todos están invitados y que intenta promover y poner en valor el pasado minero e industrial del municipio, es una manera de devolver aunque sea mediante el recuerdo la minería a las cuencas.

Ejemplo cartel fiesta Santa Bárbara. Fuente

Además de los elementos puramente festivos con folclore asturiano degustaciones gastronómicas,concurso de tonadas… Desde la asociación comenzaron a trabajar la divulgación a los niños y niñas del valle de la minería, mediante una colaboración con los colegios del municipio para que sus alumnos y alumnas  conozcan su patrimonio industrial y minero realizando un certamen de redacciones de temática minera, que durante los días de la fiesta se leerán aquellas que hayan sido seleccionadas. De esta forma implican a otro sector de la población que de otra forma pude abandonar en el olvido la minería y toda la historia con ella relacionada. Otra actividad que desarrollan son unas jornadas de patrimonio minero anuales, en ellas realizan una exposición fotográfica y ponencias asociadas a la temática.Con esta acción tratan de acercar la minería, su industria y oficios a la población general, dando a conocer sus características, su funcionamiento… y todo aquello que consideren necesario u oportuno poner en valor.

Decidieron crear un grupo de arqueología industrial para la recuperación del Patrimonio Industrial de la cuenca del Caudal dentro de la asociación. Llevaron  a cabo obras de recuperación patrimonial del Socavon Rebaldana. Esta recuperación se ha realizado en sextaferia (palabra asturiana para referirse al trabajo comunal de los vecinos), y su coherencia es digna de admirar, puesto que se encuentra próxima  al Pozo Santa Bárbara declarado BIC en 2010, pozo que actualmente esta en proceso de restauración, también esta próximo a unas antiguas vías mineras reconvertidas hoy en senda verde y de camino al Pozo Espinos que alberga un centro de interpretación museística y una escombrera reconvertida en mirador. Con la decisión de recuperar el Socavón Rebaldana evidencian la coherencia que poseen sus actuaciones, además de posibilitar un discurso más completo del entorno del Pozo Santa Bárbara y de la minería en la cuenca, dando cabida a la minería horizontal mediante el vestigio del socavón. En la restauración de la entrada al socavón Rebaldana, se han servido de sus conocimientos como profesionales de la minería para reconstruir la entrada y fue un privilegio escuchar como fueron restaurando y porque motivos restauraron como se observa y  porque no pudieron seguir con la restauración hacia dentro, utilizaron técnicas y materiales que se usan realmente en las construcciones mineras, desarrollando finalmente el mejor discurso posible de las construcciones mineras que el socavón permite.

Socavón ya restaurado

Están colaborado en la restauración del Pozo Santa Bárbara con el equipo encargado de realizarlo, asesorando el proceso en función de sus conocimientos de las estructuras y el material que alli esta ubicado. Preocupados porque una vez restaurado se quede sin uso y vacío de contenido, han desarrollado un proyecto para ser usado una vez finalizadas las obras que han presentado al ayuntamiento, entidad con la que colaboran en pro del municipio, no solo cuando hablamos de Patrimonio Industrial y minería sino también en otras actividades como la organizando  la cabalgata de los Reyes Magos, construyendo las carrozas partiendo de cero,  esta labor  les lleva meses, buscan innovar cada año, haciéndose con materiales y maquinaria para este fin,  preocupados por mantener la ilusión en el municipio y dándole además su toque minero.

Carroza Cabalgata de Reyes. Fuente:Facebook
Para realizar y organizar todas estas actividades tienen una sede que hace las veces de oficina, donde se reúnen una vez al mes aproximadamente para valorar y proponer actividades nuevas o modificaciones en las mismas y organizarlas. En esta sede tiene su oficina el grupo de Arqueología Industrial, donde almacenan todo el material de las exposiciones realizadas y un almacén con diferentes materiales a los que siempre acaban encontrando un uso u otros dueños, una de sus premisas es tratar de aprovechar al máximo las cosas. Otro de sus proyectos es la creación de una biblioteca con entidad, con libros que poco a poco les va donando o van encontrando. Otro aspecto en el que están trabajando es en la creación de un archivo fotográfico histórico accesible desde su propia página web que bien merece una visita tranquila. Las últimas noticias que tengo acerca de su trabajo es que el grupo de Arqueología Industrial durante el mes de marzo 2015 comenzará a realizar en sextaferia el desbroce y limpieza de los alrededores del Pozo Santa Bárbara en el valle del Turón siguiendo la coherencia que les caracteriza cuidando así uno de sus emblemas el Pozo Santa Bárbara BIC nacional.

Me gustaría acabar explicando que la intención final de este artículo es mostrar al mundo que el Patrimonio vivido y sentido por la población existe y que además resulta muy gratificante ver la implicación que sienten hacia él. Todo un ejemplo de trabajo patrimonial coherente y  bien hecho.


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ICONOCLASIA Y VANDALISMO

      

Nazis quemando libros en 1933

Aprovechando las últimas noticias culturales, provenientes de Oriente, acaecidas la semana pasada, me gustaría hacer una pequeña reflexión a acerca de la Iconoclasia y el vandalismo a lo largo de la historia.

Para empezar creo que es necesario hacer un diferencia entre ambos términos, aunque en determinados periodos históricos se hubiesen usado casi a la par, como bien explica Dario Gamboni en su libro “la destrucción del arte”.


La iconoclasia, es la de destrucción del arte de una cultura, con intención o motivo, ya sea este político, religioso o social.  En cambio el vandalismo, que también destruye, no conlleva ningún tipo de motivación , más bien de falta de cultura e ignorancia por parte del que perpetra los actos.


Haciendo un brevísimo resumen de la destrucción del arte a lo largo de la historia, una se percata de que es una actuación mas común de lo esperado. 


El término, fue usado por primera vez en el Imperio Bizantino entre lo siglos VIII y IX d.c. para hacer alusión a los ataques perpetrados hacia la imaginería religiosa, ya que el rey bizantino León III no quería símbolos símbolos figurativos, solo abstractos, en su reino.


Con la Reforma Protestante (S . XVI d.c.) se llegó al nacimiento de las iglesias protestantes por medio de la escisión de la iglesia católico romana a lo largo de toda Europa.

 Los protestantes destruyeron muchos obras de arte sobretodo pintura y escultura, ya que eran imágenes que el pueblo podía venerar por considerarlas sagradas, cuando para ellos no dejaban de tener mas que un significado simbólico. No estaban de acuerdo, tampoco, con el lujo que la Iglesia Católica divulgaba con su arte.

Dirck van Delen 1566

Con la Revolución francesa y las dos Guerras Mundiales no se puede decir que el patrimonio se haya mantenido a salvo. Tanto los nazis como los soviéticos se jactaban de sus opositores mediante la quema de manuscritos, y el destrozo de todo tipo de obras artísticas. 

 Con la Revolución Francesa nació el término vandalismo. El gobierno en el periodo de la Ilustración divulgaba la cultura y la hacía accesible al pueblo, como método educativo para evitar que, por ignorancia, se cometiesen ataques al patrimonio. 

En las guerras, ambos bandos luchan por ganar, pero también por infundir terror y atacar la identidad de los pueblos, con la destrucción de puntos de interés importantes. 

reales
Ejército Americano y población civil iraqui tirando la estatua de Sadam en Abril de 2003



En cuanto a la actualidad creo que podemos ver las dos diferentes corrientes de la destrucción del arte. 


Por un lado la iconoclasia llevada a cabo por grupos fanáticos, ya sean sociales, políticos o sobretodo religiosos. 


Como ejemplos tenemos las recientes imágenes de los miembros del Estado Islámico  (EI) destruyendo piezas asirias del museo de Mosul. O la demolición a cañonazos de los Budas de Bamiyán por parte de los talibanes afganos en 2001, por enumerar alguna.


Buda gigante de Bamiyán, en Afganistán, destruido por los talibanes en el 2001. (AP).
Buda gigante de Bamiyán, en Afganistán, destruido por los talibanes en el 2001.FOTO:  El Nacional.com

Estas actuaciones antes las cuales todo el mundo reacciona y Oriente se convierte en el foco de la noticia, pero ¿por qué? ¿Por qué realmente importa que se destruyen obras del pasado, o pertenecientes al Patrimonio de la Humanidad, que ayudan a completar parte de nuestra historia, o por qué quienes lo hacen son los “malos de la película” y carecen de algún tipo de sensibilidad?

Desgraciadamente creo que este tipo de acciones son mucho mas comunes de lo que queremos imaginar. La publicidad o la notoriedad de algunos ejemplos, que siempre conllevan intereses políticos o económicos, hacen que la sociedad se posicione en uno de los bandos.


En cuanto a la otra vertiente, el vandalismo, desgraciadamente se puede comprobar que todavía hay  gente que continua atacando la cultura y el patrimonio sin contemplaciones. 

Sin ir más lejos la semana pasada un grupo de hooligans holandeses, decidieron tomar  Piazza Spagna en Roma, como lugar de reunión para beber unas copas causando graves  daños a la fontana della Barcaccia de Bernini, que había sido restaurada hace relativamente poco. 

Fontana della barcaccia y detalle de la rotura causada por los aficionados del C.F.Feyenoor. Foto:www.avvenire.it

Falta de conocimiento, de regularización, o simplemente de dejadez y despreocupación, por parte del Gobierno Autonómico de Galicia y de los trabajadores del Parque Arqueológico Rupestre de Campo Lameiro en Pontevedra, conllevo a que, en unas simples tareas de desbroce y limpieza del área, un tractor le pasase por encima a una piedra con un petroglífo grabado, obviamente destruyéndolo de todo.

Petroglifos del conjunto arqueológico de Campo Lameiro (Pontevedra)


Este tipo de actuaciones, que estoy segura que ocurren a diario un montón, no son tan notorias o publicitadas, por que carecen de poder manipulador de la sociedad.


Para mi que deberíamos de centrarnos mas en favorecer la cultura, integrarla en la educación desde la infancia para a evitar la ignorancia cuando uno crece. 


Aprender a cuidar los símbolos de identidad de todos lo pueblos, por que sin ellos no conoceríamos parte de nuestra historia.
Así que mas estudiar, divulgar, promover y disfrutar la cultura en todas sus vertientes y menos impedir que esta crezca.  

Aunque ya se sabe, un pueblo ignorante es mas fácil de manejar. 





Tengo curiosidad:
Estado Islámico destruye obras del Museo de Mosul

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Chris Claremont, John Byrne y la revolución mutante.

En los últimos años viene siendo una constante en los carteles de nuestros cines las películas basadas en el mundo del cómic. Especialmente han proliferado las de superhéroes y muy concretamente los protagonistas del universo de la compañía internacional Marvel, hoy propiedad de Disney. No cabe duda de que la evolución de los efectos especiales ha permitido por fin llevar a las pantallas con éxito y realismo lo que antes parecía sólo posible en papel impreso. Y al igual que en los cómics, han hecho furor en el cine dos de las estrellas de la editorial: Spiderman y los X-Men. 
                                                                        La muerte de Jean Grey-Fénix
Estos últimos, que en España fueron libremente traducidos como “La Patrulla X”, fueron creados por Stan Lee (inventor igualmente de Spiderman, los 4 Fantásticos, Hulk o Los Vengadores) con dibujos de Jack Kirby. Se trataba de un grupo de superhéroes mutantes, por supuesto norteamericanos, formado por Cíclope, La Bestia, El hombre de hielo, El Ángel y la Chica maravillosa. Todos ellos dirigidos por su mentor: Charles Xavier, también mutante y partidario de utilizar los poderes que les había dado su genética para hacer el bien y proteger a la humanidad. La serie fue perdiendo fuelle y entre finales de los sesenta y principios de los setenta era ya un auténtico fracaso, llegando prácticamente a la desaparición. Consciente Marvel de que en esa coyuntura había que renovarse o morir, en 1975 se produce un revolucionario cambio y modernización del grupo. Se crean nuevos personajes procedentes de variados países y etnias, lo cual podía atraer a un público más amplio e internacional y por otro lado convertía el problema de los mutantes en un asunto universal. Esta presentación se hizo en Giant-Size X-Men nº1 con guión de Len Wein y dibujos de Dave Cockrum. La buena acogida relanzó la serie Uncanny X-Men a partir del nº 94, pero se decidió que el guionista cambiara. En esos momentos hace acto de aparición Chris Claremont, que permanecería en la serie nada menos que 17 años. Aunque Len Wein fue el padre de los nuevos X-Men, sería Claremont el que desarrolló la personalidad de todos ellos y los sumió en tramas absolutamente inolvidables, tan bien trabadas y emocionantes que han terminado por ser objeto de culto. El dibujante Dave Cockrum, que fue el que dio forma a los personajes y a sus peculiares e individualizados trajes (frente a los del antiguo grupo, todos iguales y uniformados) abandonó la serie en el nº 107. 
                                                           Los nuevos X-Men creados por Len Wein y Dave Cockrum
Es entonces cuando entra en escena John Byrne, un brillante dibujante de origen canadiense que tradujo con eficacia los guiones de Claremont gracias a sus dinámicos dibujos de académica perfección –pocos hacían los escorzos como él- y un estilo que destilaba una mayor modernidad que la mayoría de los de sus compañeros, que se movían aún en una estética un tanto arcaica. Claremont y Byrne formarían un tándem que llevaría a los X-Men a unos niveles de popularidad y éxito de ventas impensable e inesperado, que marcaría tendencia e influiría en otras series futuras. No es de extrañar que dos de las sagas que hicieron conjuntamente: “Fénix oscura” y  “Días del futuro pasado”, hayan constituido, con relativa fortuna, el argumento principal de las películas que hasta ahora se han llevado a cabo. 
Días del futuro pasado
El éxito de Claremont se basó en el sabio equilibrio que supo imprimir a sus historias, en las que se mezclaban aventuras llenas de acción, propias del género, con una vertiente psicológica más literaria y profunda, en la que se dotaba a los personajes de una compleja personalidad, contradictoria y atormentada, que los hacía muy humanos y eternamente sumidos en una lucha interior que les abocaba en ocasiones a un estado casi depresivo. Se detecta también el reflejo de importantes temas sociales. De hecho un leitmoviv  constante en la serie es la tendencia humana al miedo y al odio irracional contra el que es diferente, propio del racismo, contra el cual los pupilos de Charles Xavier luchan desde una posición pacifista (frente al personaje de Magneto, que representa la vertiente violenta). Las consecuencias nefastas a las que puede llegar esta actitud despreciable del género humano son expuestas es la trama de “Días del futuro pasado”, donde Claremont y Byrne evocan claramente el exterminio judío por los Nazis. 
                                                   Chris Claremont (a la izquierda) y John Byrne 

En esta línea resulta ciertamente interesante el creciente papel que se otorga a las mujeres, acorde a los nuevos tiempos. Claremont y Byrne sintieron especial debilidad por los personajes femeninos, considerados tradicionalmente frágiles, desvalidos y dependientes del hombre, de acuerdo con el rol que en la sociedad machista real solía otorgarse a la mujer. Estos autores les otorgan poder, mucho poder, y las hacen fuertes moral y físicamente. En el caso de los mutantes, por ejemplo, Jean Grey pasa de apenas poder levantar una mesa con sus poderes telequinéticos a manejar la realidad a su antojo y destruir planetas. Byrne hará en un futuro lo mismo con otras féminas de Marvel como la Chica invisible de los 4 Fantásticos o la tímida Bruja escarlata de los Vengadores. Sin perjuicio de lo anteriormente dicho, es conveniente señalar, que también fueron de los primeros en explotar el potencial erótico y sensual de las superheroínas, en lo cual debemos sospechar estrategias comerciales y editoriales, puesto que la inmensa mayoría de los consumidores del producto eran hombres.
Son éstos, sucintamente, algunos de los aspectos los que en mi opinión elevan al cómic a algo más que un simple entretenimiento para convertirlo en arte. Sí, puede ser que haya en el mundo del cómic géneros más artísticos y profundos, sin un sentido tan comercial como el de los superhéroes, pero también es verdad que somos muchos los que hemos crecido y soñado con ellos y aunque quizás no sean en estricto sentido patrimonio cultural, que igual sí, al menos para unos cuantos -como el que suscribe-, forman parte de su patrimonio emocional personal.
Jorge Belmonte Bas

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